Non è mai troppo: una chiacchierata con l'illustratrice Olimpia Zagnoli

Il suo poster per i Giochi olimpici invernali di Milano Cortina 2026 sta già diventando un'icona. Cos'ha ispirato il suo approccio?

L'idea alla base del poster era celebrare sia gli atleti che prenderanno parte alle Olimpiadi, sia il pubblico che andrà ad assistere alle gare e quello che le guarderà da casa. Ognuno aggiunge all'evento un pezzetto della propria personalità ed è questo che volevo mettere in risalto. Sia la composizione del poster che l'uso degli occhiali sono elementi che utilizzo nel mio vocabolario visivo. I colori del poster sono ispirati agli anelli olimpici, che determinano la palette cromatica dell'opera.

All'inizio [della mia carriera], molti dei miei personaggi erano piccoli, posti in un angolo di un'illustrazione. Lentamente ma inesorabilmente, sono diventati più grandi e hanno iniziato a esigere più spazio. Sono riuscita a dare più spazio ai miei personaggi, soprattutto alle donne, allargandone i confini fino al punto in cui il personaggio quasi li abbatte. Ora disegnare le persone in primo piano mi viene naturale. 

La sua casa e il suo studio hanno un'atmosfera profondamente personale. Cosa determina il modo in cui dà loro forma? 

Mia madre è appassionata di design. È stata lei a presentarmi per la prima volta agli Eames. Il suo gusto è presente in tutto ciò che mi circonda, anche se non assume le stesse forme di casa sua. Il suo è un gusto tipico della metà del secolo scorso. Ho attinto da questi riferimenti, ma ho anche aggiunto la mia ispirazione personale, filtrata attraverso la pubblicità, il design del packaging, le caramelle e gli oggetti in plastica degli anni '80. [Questo ha portato a] tratti che ora sono diventati distintivi del mio linguaggio visivo.

Quale parte dello studio considera il suo vero centro? 

Sono molto fortunata perché il mio studio ha una grande finestra in legno che si affaccia sul cortile, dove crescono due gigantesche magnolie. È quello che vedo quando lavoro. È la mia connessione con il mondo esterno. Il lavoro dell'illustratore è spesso solitario. È bello avere una finestra che mi ricorda che c'è un mondo là fuori e questo rapporto con un po' di natura mi riporta a ciò che conta davvero. 

Qual è il suo processo creativo?

Il mio processo creativo è piuttosto disordinato, nel senso che può capitare che faccia un piccolo schizzo in un angolo della mia agenda, per poi andare al bar e disegnare qualcosa su una bustina di zucchero. Perciò regna il caos sul mio modo di raccogliere l'ispirazione, i pensieri e così via. Ma il risultato finale appare controllato, quasi rifinito. Passo così tanto tempo a riflettere che quando arriva il momento di toccare effettivamente il materiale o di finire un'illustrazione riesco a farlo in un paio d'ore perché tutto il resto, come la progettazione, è già stato fatto in precedenza.

Mi racconti la storia del suo divano rosso "chiclet".

Durante il Covid, ho trovato questo appartamento in un edificio di Gio Ponti. Ero attratta dall'estetica pulita in stile Bauhaus e sapevo di voler rompere quella rigidità. Ho cercato tra centinaia di divani e il "chiclet" era uno dei miei preferiti, ma era impossibile trovarne uno d'epoca. Poi finalmente è stato rilanciato e ho pensato che fosse un segno. 

Inoltre, sono ossessionata dalle caramelle, al punto che ho scritto un libro sull'argomento. Il termine "chiclet" indica la gomma da masticare in alcune regioni italiane e per me rappresenta un altro collegamento, oltre alla morbidezza, alle forme rotonde e al colore. Sento che corrisponde veramente alla mia estetica. 

Lei ha incontrato il lavoro di Alexander Girard dopo aver già sviluppato un proprio linguaggio visivo. Com'è stato quel momento?

Sono rimasta quasi senza fiato perché, oltre all'imbarazzo di pensare "Oh mio Dio, qualcuno l'ha fatto prima di me e ora sembra che io l'abbia copiato", cosa che credo sia piuttosto comune tra gli artisti, c'è anche una parte di me che è sconvolta dal fatto che qualcun altro possa utilizzare nello stesso modo le linee e i colori e scegliere come sintetizzare in una forma qualcosa che proviene dalla natura, dalla vita reale.

Ci sono altri designer Herman Miller a cui si sente particolarmente legata? 

Gli Eames, sicuramente. Ho pianto quando mi sono trovata davanti alla [Eames House di Pacific Palisades, in California], perché con loro ho un legame profondo in termini di cura dei dettagli, dei colori, dei materiali e di quel tipo di spazio abitativo che promuove la libertà e la creatività. E anche George Nelson. C'è un certo divertimento nel suo modo di usare le forme che trovo sempre entusiasmante.

Vedo che ha anche una seduta Eames Steinberg in edizione limitata!

Steinberg è l'illustratore per eccellenza, per me è come una pop star. Ho sempre osservato con curiosità il suo lavoro e la sua attività. Quando è uscita l'edizione Steinberg, ho parlato con un'amica e le ho chiesto: "La compriamo?". Lei ha risposto di sì, ed è stata una decisione presa a mezzanotte con un pizzico di follia, come a dire: "Ok, facciamolo!". 

L'Italia ha una lunga tradizione nel campo del design, dai manifesti di propaganda di Mussolini alla semplicità radicale di Munari. Dove si colloca nel contesto di questa tradizione? 

Sicuramente il più lontano possibile da Mussolini. Auspicabilmente molto vicino a Bruno Munari. Ho iniziato con i libri per bambini di Munari e, crescendo, sono entrata in contatto con nuove parti del suo lavoro. La sua sensibilità nell'osservazione è molto italiana, perché è come stare seduti al bar, guardare il mondo tutto attorno e porsi delle domande. Penso ancora che sia la cosa più importante che si possa fare nella vita: comprendere le altre persone, le città, il design, osservando e capendo di cosa hanno bisogno le persone, cosa vogliono e perché. 

Qual è stato il progetto più significativo per lei?

Mi è piaciuto molto lavorare con la MTA [Metropolitan Transportation Authority] a New York. Nel 2014 ho realizzato un poster dal titolo "New York View". Era presente in ogni stazione della metropolitana e ho iniziato a ricevere tantissimi messaggi e foto dai pendolari che lo vedevano ogni giorno. E questo mi ha emozionata molto perché c'è una dimensione molto solitaria nel mio lavoro. L'effetto era così potente perché le immagini sono potenti. Non hanno bisogno di traduzione. Le persone reagiscono semplicemente alle immagini. E fare da tramite per questo potere è un grande privilegio.